-->

Wil Lof

Schilderijen van Wil Lof zijn abstracte composities, die door hun figuratie bij velen emoties oproepen. Dat is ook de essentie van haar drijfveer, ze gelooft in kunst als medium om gevoelens van emotie, ontroering en saamhorigheid op een aansprekende en herkenbare manier over te brengen op anderen.

Haar figuratieve schilderijen, uitgevoerd in acryl op canvas, linnen of papier, tonen geabstraheerde vrouwenfiguren, die samenkomen, samenzijn, en weer hun weegs gaan. Soms zijn de kleuren krachtig en geprononceerd, soms ook vaag en lossen de figuren op in de achtergrond. De composities zijn mysterieus en speculatief in de onderlinge relatie van de rudimentaire gestalten, die in hun lichaamstaal primaire gevoelens als liefde, verbondenheid, angst, isolationisme en dergelijke communiceren. In andere werken roepen de beeldvlakken en het lijnenspel visuele beelden op, die de toeschouwer voeren naar versluierde verten. Wil’s abstracties voeren soms zover, dat er geen figureren meer te onderscheiden zijn, maar enkel een spel van rechte of gebogen lijnen. Niet zelden leiden zulke kleurcomposities bij de toeschouwer tot speculatieve verbeelding en interpretatieve inbeelding van het schilderij.

Wil Lof past in haar schilderijen een bijzondere schildertechniek toe. Elk schilderij bevat een gelaagde reeks transparante taferelen, waardoor toon en compositie van de afbeelding wisselt met het invallende dag- of kunstlicht. De daaruit resulterende dynamiek zorgt voor verrassende en spannende wisselingen als dagen en seizoenen verstrijken.

Haar exposities en edities Wil Lof exposeerde te Chania (Kreta), gevolgd door een expositie in Port d’Andratx op Mallorca en deelname aan de 4e Biennale dell’Arte Contemporanea te Florence in 2003. Wil neemt deel aan de Muestra Internacional de Arte Contemporáneo Ciudad de San Sebastián in 2004 en toont haar werk in Barcelona, op de One Art Fair van de Frankfurter Buchmesse en in het Latin American Art Museum van Miami. In latere jaren neem ze deel aan Arte Sevilla (Spanje) en exposeert solo in Chania (Kreta, Griekenland). Exposities in Biarritz en Saint Jean de Luz in Frankrijk volgen. Behalve in de badplaats Saint Jean de Luz exposeerde ze ook in Puerto Banùs en Malaga (Spanje). Haar werk werd ook getoond in Mar del Plata (Argentinië), in Montréal (Canada) En in de afgelopen jaren in Calcutta, New Delhi en Mumbai (India).

Dankzij de inspanningen van “Dutch Luxury Design” zijn tien schilderijen naar het zuiden van Europa verhuisd en worden getoond bij de Timeless Gallery Group in Spanje, Zweden, Polen en de Verenigde Staten. Een selectie is opgenomen in de gedrukte folder “Love & Passion” en in de pdf-uitgave.

Wil Lof is permanent vertegenwoordigd met recent werk bij verscheidene galerieën in Nederland, Duitsland, Griekenland, India, Frankrijk en Spanje. Naast originele abstracte en figuratieve schilderijen brengt ze in eigen regie kunstdrukken (giclées) in gelimiteerde oplage uit van haar schilderijen. Verscheidene uitgevers gaven ook kunstdrukken (fotolitho’s) uit in een ongelimiteerde oplage.

-->

Arie Onnink

Arie had een veelbetekenende loopbaan als docent beeldende vorming en grafisch vormgever achter de rug, voor hij in alle hevigheid de schilderkunst omarmde.

Hij zoekt in zijn werken naar de schurende grenzen van de realiteit. Deze werkelijkheid, in al zijn rauwheid, absurditeit en grimassen, schenkt de schilder oneindig veel inspiratie om zijn verhalen met de toeschouwer te delen. Verontrustende schilderwerken, veelal tijdloos, geven ons een blik in een wereld van melancholie en ‘tristesse’. Een beeldverhaal waarvan de toeschouwer zélf de schrijver is.

Overheersend in zijn werken is het vaak zware en sobere kleurenpalet in een zo kenmerkend handschrift.

“Enige mate van verontrusting en gelaten verbazing kan geen kwaad in de (schilder)kunst, aldus Onnink, er wordt immers al genoeg gelachen.”
-->

Lawrence Kwakye

Lawrence Kwakye (1972, Utrecht) maakte zijn eerste schilderij toen hij dertien jaar was en opende daarmee, onbewust, de deur naar zijn artistieke carrière. De befaamde schrijver en illustrator Tomi Ungerer noemde hem in die tijd al een ‘undeniable talent’ en vergeleek hem met de hoofdpersoon in Albert Camus’ roman ‘De Vreemdeling’. Want als zoon van een Ghanese vader en Hongaarse moeder, opgegroeid in Nederland, werd hij voortdurend blootgesteld aan verrassingen en veranderingen in het leven en ontwikkelde daarbij automatisch een ‘contrastrijke’ kijk op de wereld, essentieel voor de magische gelaagdheid in zijn latere werk. Niets is, wat je denkt dat het is.

Na zijn middelbare schooltijd voltooide Lawrence zijn studie ‘Mens en Vrije Tijd’ aan de Design Academy in Eindhoven, waarbij Lidewij Edelkoort koersbepalend is geweest. Onmiskenbaar erfgoed uit die tijd is de functionele en conceptuele inslag van de vele schilderwerken die hij naast zijn baan als ontwerper altijd bleef maken. Tot hij in 2010 het roer omgooide, zich als vrij kunstenaar vestigde en zijn artistieke carrière in een stroomversnelling kwam.

Kwakye’s culturele verscheidenheid, zijn gevoel voor esthetiek, zijn technishe innovatiedrang én zijn fascinatie voor transitie, of ook wel het proces van verandering, zijn duidelijk terug te zien in zijn huidige werk. Het resultaat is toegankelijk, pakt de kijker meteen, maar verleidt hem daarna tot discussie over wat je nu eigenlijk ziet, wel is wat het is. Harmonie tegenover disharmonie. Het beeldend werk van Kwakye blijft communiceren.
-->

Elzo Dibbets

Elzo schildert fascinerend door de bijna fotografische gelijkenis. Zijn schilderijen zijn als het ware wat vage, mysterieuze foto’s geschilderd in een perfecte techniek. Dibbets gaat in eerste instantie uit van een witte en lichtgrijze onderschildering aangebracht met penseel, spons of verfspuit. Over deze onderschildering worden dan tientallen dunne transparante kleurlagen aangebracht [glacis]. Al werkend brengt hij steeds meer details aan, totdat zijn definitieve, ideale beeld op het doek staat. Uitgangspunt is het dagelijks leven. Gebouwen, mensen, dieren en dingen. Vervolgens worden onderdelen van een gekozen tafereel er uitgelicht, ingekaderd, afgesneden, vergroot, vervaagd en verschoven. Elzo lijkt toevallig tegen zijn onderwerp aan te lopen. Op een dergelijk moment ontstaat er in een schijnbaar onbeduidend aspect een verwondering of verbazing die hem de inspiratie geeft om het in een schilderij te onderzoeken en verder uit te diepen. Zo´n aspect kan van alles zijn. De steen die op de grond valt maar de bodem nog net niet geraakt heeft, spiegelingen op een marmeren kerkvloer, of, zoals hier in de tentoonstelling te zien is, de breking van het licht in een plastic zakje.

Als kijker stel je je voor hoe de schilder zijn onderwerp bestudeert. Wat kun je met een plastic zak. Er iets instoppen, uithalen, iets anders erin stoppen, wat doet zonlicht met het beeld, en een lamp, ´s ochtends, ´s avonds. Telkens heeft de zak een andere vorm, kleur, andere spiegelingen. Voor Elzo een onderwerp waarmee hij raad weet en waar hij plezier aan beleeft. Door verschillende schilderijen te produceren binnen het thema geeft hij de kijker alle kans om mee te gaan in zijn proces.

Opvallend in zijn werk is de sobere voorstelling. Hij vermijdt in zijn werk die elementen, die hij als storend ervaart. Het is hem er om te doen binnen het schilderij een ideale wereld te scheppen die volledig in harmonie is, overeenkomend met zijn schoonheidsideaal. Verder zijn de kleur verlopen en afwisselingen van scherpte en onscherpte in het beeld, typerend voor Elzo’s schilderijen. Dat hij zo´n handschrift heeft is niet verwonderlijk. Hij gebruikt de technieken al sinds de zeventiger jaren en is hierdoor een meester in z´n vak.
-->

Vladimir Hristov

Vladimir Hristov (Skopje) makes paintings, drawings, media art and mixed media artworks. By using popular themes such as sexuality, family structure and violence, Hristov finds that movement reveals an inherent awkwardness, a humor that echoes our own vulnerabilities. The artist also considers movement as a metaphor for the ever-seeking man who experiences a continuous loss. His paintings don’t reference recognizable form. The results are deconstructed to the extent that meaning is shifted and possible interpretation becomes multifaceted. By emphasizing aesthetics, he creates intense personal moments masterfully created by means of rules and omissions, acceptance and refusal, luring the viewer round and round in circles.

ARTIST STATEMENT: ‘My paintings are rough and ready. They may be beautiful, aesthetically pleasing and yet simultaneously ugly and chaotic often with provocative and distorted forms. It is this tension which forms my research in painting the imagery. Sometimes the works can be almost passive and subtle in their presence and use of color. Other times expressively explosive. My works are built up with; charcoal, markers, acrylic paint, oil, etc. on canvas, possibly with (in developing phase) interactively triggered by audience video projections onto my artworks. With an abstract attitude to form and volume finely rendered “human-like” appearances appear in rough, semi-defined and complex spaces. The intention is to take the atmosphere of the image and allow the image “to become inside the room” instead of the idea of having a “window on the wall” to dip into. Those forms should as well be calling to us to join theirs or they are coming into our world anyway…’ .
-->

Amjad Wardeh

1984 ,Damascus, Syria
Since he graduated from the Faculty of Fine Arts at the University of Damascus, Amjad has employed a variety of mediums and techniques to develop a unique style trying to find himself in his Artworks. He continued painting in his studio focusing on the abstract and expressionism. He is dedicated to practicing arts and discovering new techniques.

From 2002-2007, he worked in animation for Syrian Television and was the Art director in the independent daily newspaper Baladna and some magazines such as Sabaya. He also participated in numerous art competitions, including the youth art competition at Samer Quzah Gallery, in 2008 and 2009.

From 2009 to 2011 he was a teacher assistant in the Faculty of Fine Arts in Damascus University after he obtained a full scholarship from Damascus University.

In 2012, he participated in numerous exhibitions at the Espaces Ephemeres Art Space in Beirut, Lebanon, the Beirut Art Fair, Shattered Beauty at Gallery 8, in London, and Syrian Anonymous group Exhibition, in Nottingham. On the 27 of June he participated in “Withoutword” exhibition in Gallery P21 in London.

In 2013 he participated in the CI Contemporary, Istanbul.
-->

Erik Langkjær

Erik Langkjær, born 1967, had his first exhibition in 1985 and today his works are popular with a Danish audience. Since 2009, he has been a permanent exhibitor in Gallery Habsø, now one of the biggest galleries in Denmark. Here he is represented throughout the year and has sold oil paintings for clients both home and abroad. Recently he has been affiliated with Gallery Minerva, New Form Malmö, Sweden.

As an academic philosopher and with a four year education in Tibetan Philosophy and psychology, Erik has been engaged in understanding how we experience. It is reflected in his paintings where the impermanence of life and human sense experience are in focus. Very often human beings or figures in a context appear in his paintings.

Erik has taught aesthetics, painting, drawing, and croquis at various levels, for instance at folk high schools and upper secondary schools.

Senseperceptions have a richness and a beauty that fascinates me in my painting. It is a way of getting into intimate touch with the visible world around me, and through it – with myself. Very often human beings or figures in a context are in focus. The models I choose to paint are neither necessarily young nor wellproportioned. Instead I look for the unique greatness of the human being in front of me and through that to reveal eternal human conditions. To me, a certain attitude or gesture may be full of poetry and by painting that I become more aware and alive. I may start painting an ordinary thing and realize how extraordinary it really is! When succeeded it is to see the little things in a great perspective.

In my paintings I use energetic brushwork and broken colors related to impressionism. Instead of painting things, I want to catch the special light on the location. Very often I put blobs of color next to each other and a painterly surface occurs. Seen at a short range, this ”mosaic” looks like an abstract painting. Watching it on a distance, it reveals itself as something recognizable – a market place for instance. There are so to speak two perspectives in one picture. Looking at the paintings the spectator may acknowledge that he or she is also a participator when shapes and the kaleidoscope of colors are becoming meaningful.
-->

Peter Hermans

Peter Hermans geboren in Weert 1950.

Vrijwel zijn gehele leven heeft hij getekend en geschilderd en sinds hij de lithografie vaarwel heeft gezegd in 1996 is hij fulltime actief als beeldend kunstenaar.

Vanaf 14 jarige leeftijd werd hij al geboeid door kunst en cultuur, zo werd hij o.a. geïnspireerd door Picasso, en Lucebert, waarbij tentoonstellingen, die hij toen bezocht van Constant Permeke en Karel Appel diepe indruk op hem maakte. Mede hierdoor werd het “schilderdier” in hem losgemaakt.

In eerste instantie schilderde hij met olieverf, maar uiteindelijk geeft hij de voorkeur aan de veelzijdigheid van acryl, die hij gebruikt op een manier zoals hij voorheen olieverf hanteerde.

Zijn huidige stijl ontwikkelde zich na meerdere omzwervingen opgedaan in het dagelijks leven, musea, kunstboeken, maar zeker ook door zijn beroep als lithograaf, waarbij hij vaak in contact kwam met allerlei kunstvormen.

Mensen in allerlei situaties, maar ook dieren krijgen een prominente plaats door middel van expressieve penseelstreken, met een kleurrijk palet.

Werken van Peter Hermans zijn niet in één blik te bevatten; ze nodigen uit om intensiever te kijken en zo meer facetten te ontdekken en te ondergaan.

Zijn streven is niet alléén een mooi beeld te creëren; hij probeert vooral een krachtig, prikkelend en boeiend geheel te laten ontstaan.